A cada dia que passa esse assunto é mais discutido por aí, e hoje me deparei com um vídeo de uma matéria que foi ao ar no programa Bom Dia Brasil, da Rede Globo. Talvez você não veja nada de novo na matéria (que confesso achei bem fraquinha), mas informação nunca é demais não é mesmo?

Logo abaixo, acrescentei um texto que vi no portal G1, que complementa bem o vídeo e apresenta opiniões bem diferentes sobre o tema, de diversos profissionais da área. Espero que lhes sejam úteis!

A vida como ela é. Essa é a tendência de um movimento que cada vez ganha mais força no mundo da moda internacional e que abre mão dos recursos do Photoshop – software que edita imagens. Aos poucos, a novidade vem aportando por aqui. Não, claro, sem causar polêmica.

Se lá fora, Cindy Crawford, Monica Belluci e Jessica Simpsom já toparam posar sem retoques, por aqui, Luiza Brunet e Isabeli Fontana também já se lançaram ao fogo, sem medo. Este mês, a edição francesa da Marie Claire colocou nas bancas uma edição inteira sem intervenção do Photoshop, com a atriz Louiese Bourgoin na capa – com exceção das páginas publicitárias.

“O advento da fotografia digital trouxe um deslumbramento. Hoje todo mundo acha que sabe e pode usar o Photoshop. Virou uma maluquice. Esse movimento é uma resposta a isso”, pondera a fotógrafa Nana Moraes, que conta que já teve foto recusada para capa de uma revista porque a editora reclamou que ela não ‘retocou’ o umbigo da famosa em questão. “Ela não gostou do umbigo da mulher”, lembra. “Mudam até nariz de pessoas com imagem conhecida”, entrega ela.

‘O problema é vender mentiras‘, diz Fernando Torquatto.

Para o fotógrafo e maquiador Fernando Torquatto, o Photoshop é bem-vindo, desde que bem usado. “Quando está ligado à moda ou algo artístico, é algo lúdico. Você usa os recursos para chegar àquela imagem que você quer criar. Mas é diferente de quem vende um produto que não é daquele jeito ou mostra um resultado que não é o que vai acontecer. O problema é quando ele é usado para vender mentiras”, enfatiza.

Ele defende uma maior especialização dos técnicos que tratam as imagens de campanhas e revistas. “Tem que ser mais do que técnico. Tem que entender de arte, de harmonia”, resume. “A noção de estética tem que ser prioridade”, completa o maquiador brasileiro, radicado na França, Cláudio Belizário.

Belizário, no entanto, rende-se aos benefícios do programa de computador: “Eu, particularmente, prefiro as fotos menos retocadas, pois deixam a modelo ou celebridade mais perto do leitor, da vida real. Mas quando fazemos uma matéria de beleza ou uma capa fica claro que o uso do Photoshop, desde que bem empregado, é favorável a todos: modelo, maquiador, fotógrafo”.

DE CARA LIMPA

A chamada de capa da Marie Claire americana com Jessica Simpsom dizia: “A Jessica real. Sem maquiagem, sem retoques, sem arrependimentos!”. Na reportagem, a própria declarou: “Eu não tenho que provar nada a ninguém. O que as outras pessoas acham sobre mim não é problema meu”.

Ano passado, quando posou para a Revista Época de cara limpa, Luiza Brunet foi categórica: “Na minha geração, não tinha essa manipulação das fotos. As pessoas eram o que eram, mostravam sua beleza natural. É um exagero, perde-se a personalidade, fica todo mundo parecido. Tenho 47 anos, tenho consciência disso e não preciso aparentar ser mais nova. Sempre peço para não me deixarem com o corpo de uma menina de 20 anos”.

RETOQUES DAS ANTIGAS

Fotógrafos, no entanto, afirmam que retoques são tão antigos quanto a própria fotografia. Mas eles vinham com filtros que enalteciam determinadas cores ou na hora da revelação. A diferença é que antigamente era usado com mais parcimônia. “Se criou um mito com o Photoshop, mas na realidade, desde a fotografia existe, existe retoque. Mas antigamente era feito de uma maneira artesanal, negativo por negativo, com poucos recursos. O bom senso vinha de uma maneira mais suave. Tomava muito tempo, se inventava muito, tinha gente que usava até saliva pra suavizar alguma coisa na imagem”, revela Nana.

Fonte: G1

Última tendência da fotografia de moda: beleza natural eh um post do Fos Grafe

Neste contexto, existem algumas “previsões” dos rumos que a fotografia poderá tomar nos próximos anos. Mais realistas ou não, todas elas apresentam pensamentos muito aceitáveis.

Câmera HDR

Desde que surgiu, as imagens em High Dynamic Range conquistaram milhares de fãs por todo mundo, fazendo alguns fotógrafos produzirem um portfólio inteiro com esse estilo de fotografia. A verdade é que essa tecnologia é mais abençoada do que muitos imaginam. Atualmente as pessoas se aproveitam das layers para criarem imagens artísticas, elas quase sempre fogem da idéia de fotografia. Mas imagine se uma câmera tivesse a capacidade de fotografar em HDR, seria maravilhoso obter imagens com exposições totalmente balanceadas sem grande esforço. A primeira câmera com essa tecnologia já foi criada, a Pentax k-7, que captura várias imagens e leva cerca de 10 segundos para montar a imagem final que ainda não é tão perfeita assim. Mas imagine uma exposição balanceada e perfeita com apenas um clique!

ISO infinito

Atualmente a tecnologia digital já alcançou o ISO 102.400, e a câmera que é capaz disso tudo é a nova Canon EOS-1D Mark IV, que custa cerca de 17 mil reais. Agora pense em um ISO de alcance ilimitado, que nos permitirá fotografar cenas que estão quase imersas na total escuridão, mesmo que as sombras tornem-se verdes (o que tende a acontecer). Isso seria maravilhoso e nos permitiria capturar imagens noturnas perfeitas sem precisar de flash!

Simulador de grão

Granulação não é ruim! Há alguns anos atrás, fotógrafos compravam filmes baseados na sua granulação (que caem muito bem em imagens p&b). Na fotografia digital temos o ruído, que é diferente da granulação, porque apresenta pontinhos coloridos – com mais frequência em áreas escuras – e compromete a nitidez. Muitas pessoas gostam de aplicar granulação na hora de editar as fotografias, então, por quê não acrescentar esta opção na própria câmera para economizar tempo aumentar a criatividade?

Câmera 3G

Já existem alguns cartões que ativam uma conexão Wi-Fi a uma certa distância, através da ajuda de um roteador para transferir os arquivos para o computador. Mas seria muito bom ter internet 3G disponível dentro do próprio equipamento, permitindo uploads instantâneos para os blogs, medias sociais e sites de compartilhamento de imagens, como o Flickr. Bom né?

Câmera GPS

Há poucas câmeras em testes com essa possibilidade. Seria bastante útil para tagear geográficamente todas as fotografias que capturarmos e facilitar a organização.

Baterias universais

Não se sabe por qual razão as fábricas gosta de criar uma bateria diferente para cada câmera que cria (na verdade sabemos). Até existem algumas diferenças de qualidade de umas para as outras, mas que bom seria se houvesse um único modelo de bateria. Isso baixaria o preço das baterias e faria a alegria de muitos fotógrafos que sofrem com as inúmeras baterias que acabam “colecionando”.

Objetiva multifuncional

O sonho: zoom rápido, que cobre desde a grande angular até uma telefoto e é compacta (não pesa uma tonelada). Uma só objetiva 15-250mm com f/1.8, leve, pequena e com capacidade macro. Sonhou? Quer uma, não é?

Previsões sobre o futuro das câmeras fotográficas eh um post do Fos Grafe

Complexo? Sempre será! Esse processo de interpretação envolve desde a escolha que o fotógrafo faz do momento até as conclusões que os observadores terão a respeito dos documentos bidimensionais – as fotografias – que, por serem bidimensionais, já não podem ser consideradas como a realidade, que é tridimensional. Esse fato é bem explicado pelo grande autor Kossoy, quando diz: “a realidade fotográfica não corresponde (necessariamente) à verdade histórica, apenas ao registro expressivo da aparência”.

Todo o processo de interpretação de fotografias envolve, basicamente, três “participantes” que merecem reflexão: a imagem, o fotógrafo e o observador. Essa divisão facilita a compreensão.

A IMAGEM

Analisar imagens é sempre uma tarefa difícil. Como falei anteriormente, as pessoas confundem percepção com interpretação e acabam concluindo que não é necessário analisar uma imagem, porque acreditam que ela é um recorte do real. Isso as faz esquecer que cada um possui um olhar diferente, o que provoca em inúmeras interpretações distintas.

Mas não é difícil aprender a analisar imagens, basta alcançar o que o autor José de Sousa Martins define como alfabetização fotográfica: “a capacidade de ver uma fotografia e interpretar o que ela contém, como requisito para que a fotografia entre no circuito dos processos interativos de que é instrumento e indício”.

A leitura de imagens acontece em três fases, que ocorrem na seguinte ordem:

Percepção – fase ótica, onde percebemos as formas e as tonalidades de uma imagem no geral.

Identificação – combina ações óticas e mentais que ajudam a reconhecer os componentes, a identificação é quase sempre igual para todas as pessoas.

Interpretação – ação totalmente mental e pessoal, sendo influenciada pelas experiências e lembranças de cada observador.

O FOTÓGRAFO

O fotógrafo possui experiências e lembranças em seu repertório pessoal que o influenciam na hora de eleger uma cena com todos os detalhes registrados ou “escondidos”. A fotografia será sempre um documento sobre a mentalidade do fotógrafo, que inicia o processo de geração de sentido. Kossoy define estes profissionais e amadores como “filtros culturais”, que sempre agem influenciados por suas ideologias e estado de espírito.

É aqui que se concentra o principal fator a ser considerado na hora de interpretar uma fotografia: a informação registrada só será puramente compreendida quando conhecermos a verdadeira intenção do fotógrafo. Na verdade, o jogo da interpretação não é realizado para conhecer a realidade, mas para perceber como determinada pessoa observou um momento e quis registrá-lo.

O OBSERVADOR

Lembranças, estado pessoal, conhecimento e vivência são alguns dos aspectos que sempre influenciam uma pessoa que observa uma fotografia. Uma mesma foto pode ter muito significado para algumas pessoas, mas para outras pode ser apenas uma imagem qualquer. Por exemplo, se você não conhecer uma personagem importante de uma fotografia, aquela imagem será apenas um retrato para você.

Para José de Sousa Martins, “o leitor de fotografia pratica um confisco visual da imagem, remontando-a, a partir de suas insuficiências, no seu próprio códido de leitura que é também o manual sintético de suas experiências e das experiências do seu ver”.

Por isso é tão difícil um fotógrafo conseguir agradar e/ou informar todos os olhares. Mas, da mesma maneira como ele definiu o momento, a cena, o recorte e os detalhes que preferiu registrar, o observador irá realizar a leitura da imagem a sua maneira, aproximando-se ou afastando-se da interpretação sugerida pelo fotógrafo.

Para fechar este post e explicar melhor esta ideia, deixo aqui mais uma citação de Kossoy: “os diferentes receptores (…) reagem de formas totalmente diversas – emocionalmente ou indiferentemente – na medida em que tenham ou não alguma espécie de vínculo com o assunto registrado, na medida em que reconheçam ou não aquilo em que encararem com ou sem preconceitos o que vêem (em função das posturas ideológicas de cada um)”.

Indicação de leitura

Realidades e Ficções na Trama Fotográfica, de Boris Kossoy
Sociologia da Fotografia e da Imagem, de José de Sousa Martins

A interpretação fotográfica eh um post do Fos Grafe

Hoje li um artigo muito bom do fotógrafo Rodrigo Baleia, da National Geographic, que dá voz a esse problema que só parece aumentar com o tempo: as empresas de comunicação querem se aproveitar (literalmente), das fotos produzidas por profissionais sem pagar nada por isso, acreditando que “dar o crédito” já resolve tudo.

Mas toda essa confusão tem explicação… A internet facilitou nossas vidas e revolucionou nossos meios de trabalho, mas também trouxe alguns problemas: forjou no público um conceito de gratuidade que contrasta com o valor (comercial) que a imagem passa ter no meio impresso.

As redações diminuíram assustadoramente, para cortar gastos e duplicar lucros. E quanto mais a tecnologia avança mais a ideia de multimídia sai das redações e se volta para os jornalistas em si. Isso torna cada vez mais necessário que os profissionais tornem-se o que pode ser chamado de “backpack journalist” (jornalista de mochila), que não apenas escreve, mas filma, grava, produz, edita e, também, fotografa. Essa ideia de “backpack journalist” serve apenas para correspondentes de guerra, por exemplo, que precisam ser rápidos e não podem andar com muita bagagem ou muita gente para não correr riscos, e esse perfil é preferido pelas redações, que não querem mais contratar pessoas que apenas fotografem.

Com essas redações enxugadas é normal que os editores precisem de fotografias (que são muito mais apreciadas do que o texto, na internet) e acabam recorrendo às agências e aos próprios fotógrafos de qualquer lugar do mundo. O problema é que a maioria delas não quer pagar por isso.

Essa situação é revoltante! Espero que vocês não aceitem “divulgação de nome” como pagamento por suas fotografias, mesmo porque, como bem lembrou Rodrigo Baleia, isso é um direito garantido por lei, e não uma opção de “pagamento”.

Só queria desabafar mesmo… E vocês, o que pensam disso tudo?

O trabalho do fotojornalista está perdendo seu valor eh um post do Fos Grafe

Como posso ter certeza de que não vou perder minhas imagens?
Simples, assegure-se de que seus arquivos estarão presentes em dois lugares ao mesmo tempo, sempre faça duas cópias! Isso significa que você não pode deletar os arquivos do cartão de memória se estiverem copiados apenas no computador, por exemplo. Existem muitas opções para guardar arquivos (HDs externos, armazenamento online, CDs, DVDs, Blu-rays etc.) bastar escolher, no mínimo, duas delas… SEMPRE!

Meus arquivos vão ficar ultrapassados?
Isso é um fato. Tudo evolui, e mesmo que a maioria das pessoas prefira RAW ou JPEG é possível, sim, que essas extensões sejam menos utilizadas com o tempo. Mas sempre existirão adaptadores e conversores, e muitas empresas acompanham a preferência do consumidor e não gosta de prejudíca-lo, portanto, se aparecer um tipo novo de arquivo, aparecerão também maneiras de não perder o que já foi feito. No panic!

Meus CDs e meus DVDs vão apodrecer?
Infelizmente, sim! A mídia mais suscetível à destruição é o DVD (muita gente nem sabe disso e anda correndo muitos riscos), porque são discos muito sensíveis, você pode perder o conteúdo simplesmente por curvar o DVD quando o retira da caixinha! Isso acontece porque ele racha muito fácil e permite a entrada de umidade, que some com todos os dados. DVDs são uma solução temporária, mas nunca confie neles para armazenamento de longo prazo. Já os CDS têm uma tecnologia mais estável e são mais resistentes à rachaduras, mas devem ser guardados na posição vertical e longe de umidade!

A maneira como você rotula os discos também afeta a durabilidade dos arquivos. Nunca rabisque-os com canetas esferográficas ou de ponta dura, isso danifica a leitura, e canetas com tinta a base de solventes podem causar problemas químicos! Para ter certeza de que não vai danificar nada, escreva seus dados apenas na parte transparente do centro e anote outras informações na capa ou no envelope.

Minhas impressões vão desbotar e desaparecer?
Se você usa impressoras jato de tinta, a resposta é sim. Mas isso não vai acontecer, necessariamente, logo. Proteger suas impressões entre placas de vidro pode garantir uma vida útil de 30 a 200 anos, dependendo da qualidade da impressão. Mas, a questão mesmo é: quanto tempo você quer que elas durem? O importante é guardar os arquivos originais e não apenas as impressões, porque, se elas desbotarem, a tecnologia terá avançado e fará suas próximas cópias durarem por mais tempo. Entretanto, se você for vender suas fotografias em uma galeria é uma boa ideia escolher o papel e a impressão da melhor qualidade possível, para que a pessoa que comprar a imagem não a perca com o tempo. Se você quiser mais informações sobre as melhores opções do mercado, pode consultar o site da Wilhelm (em inglês), clicando aqui.

Cuide dos seus arquivos e impressões com cautela, e viva sem preocupações!

Conselhos aos paranóicos: dúvidas sobre as piores hipóteses no arquivamento eh um post do Fos Grafe

Otto sofria de alzheimer e faleceu na madrugada de 22 de abril de 2009. Ele pôde conferir esta exposição de homenagem ao seu trabalho, nos seus dois último meses de vida, enquanto estava no Rio de Janeiro. Começou sua carreira como fotógrafo ainda jovem quando, aos 22 anos, abriu um estúdio em São Paulo em 1957, logo depois de voltar de uma viagem de estudos em Los Angeles, no Art Center College of Design. Sua tragetória profissional começou direto na fotografia de moda e publicidade, mas também realizou trabalhos importantes no fotojornalismo.

Em uma entrevista dada ao jornal A Gazeta, Otto contou detalhadamente como realizou a primeira fotografia de moda no país, em 1958, com a ajuda do estilista Dener Pamplona, de um amigo no Rio de Janeiro e de sua então namorada, a atriz Duda Cavalcanti, primeira garota de Ipanema:

“Jamais havia visto uma foto de moda publicada no Brasil, antes de eu fazer a primeira. É incrível, porque já éramos uns 100 milhões de habitantes. Pedi ao Dener um vestido emprestado. Coloquei na mala, peguei um ônibus para o Rio de Janeiro, combinei com minha namorada, Duda Cavalcanti, e fomos para a casa do Heitor dos Prazeres, amigo pintor e sambista, que morava numa casa art noveau. Nesse terraço, coloquei Duda com o vestido do Dener, que ele havia feito, em 1955. Era um vestido branco e azul-marinho. Nesse dia, no terraço da casa do Heitor, a Duda vestindo Dener, foi feita a primeira foto de moda no Brasil. Essa foto, que fiz para mim, nunca foi publicada”.

Com muito talento e dedicação, Otto Stupakoff conquistou um grande espaço na área, realizando trabalhos para grandes revistas (Vogue, Harper’s Bazaar, Cosmopolitan, Elle, Esquire etc.) e fotografando grandes personagens e celebridades (Truman Capote, o ex-presidente dos EUA Richard Nixon – foto abaixo -, Grace Kelly, Jack Nicholson, Paul Newman, Sophia Loren, Jorge Amado, Antonio Carlos Jobim, Pelé, Kate Moss etc).

Richard Nixon e sua filha Julie na Casa Branca, em foto de Otto Stupakoff de 1971

Seu trabalho deve ser mais do que reconhecido e apreciado, já que ele foi o único profissional brasileiro a ter seu nome incluído no Vogue Book of Fashion Photography, ganhando destaque entre os dez nomes mais importantes da fotografia de moda do mundo, nos anos 70. Portanto é uma exposição que vale a pena conferir!

Imagem de ensaio para a revista "Mit", anunciado por Stupakoff em 2008 como o último editorial de moda de sua carreira

Em 2005, Otto deu uma entrevista ao UOL, quando estava sendo homenageado no SPFW, veja abaixo um trecho e, se desejar, leia na íntegra, clicando aqui.

UOL: Qual o seu ideal de fotografia de moda?
Stupakoff: Sempre tratei o retrato de moda como uma foto familiar. Sou fotógrafo de moda que tem ojeriza a fotos posadas. Sempre tentei que as modelos fossem o mais descontraídas possível, que fossem atrizes, que pudessem viver a situação com a qual elas se deparariam na locação.

Uma das melhores experiências nesse aspecto são as fotos que fiz da hoje atriz Jennifer Connely (N.R.: de “Uma Mente Brilhante”, “Requiem Para um Sonho”, “Hulk” e “Labirinto”). Eu a fotografei desde os 11 anos, quando começou a carreira de modelo infantil. De início, conheci a mãe dela e propus para que fossem ao sul da França, onde morava, para que a garota fosse retratada. E ela inventava tudo por conta própria nas sessões, foi lindo.

O maior desafio do artista é o de encontrar sua própria voz. Gosto de evitar coisas já feitas. Comparo aquele momento de início de carreira ao de alguém que se depara com uma floresta densa, escura, amedontradora, e onde você encontra uma abertura que tem uma trilha, já pisada. Você pode pegar a trilha que quiser. Mas digo que procurem a brecha mais escura, onde não tem trilha nenhuma, para achar seu próprio caminho. Senão não vai conseguir realizar o seu ideal.

Ao adentrar o lugar escuro, vai ver que ele não é tão escuro quanto se pensava, que o salto do abismo não é tão grande, e que o dragão que se esconde na caverna não será um devorador, mas sim a pérola do seu estilo pessoal. Isso leva um certo tempo, faz parte da evolução e da necessidade de honestidade por parte do fotógrafo.

Assim, você separa os fotógrafos em duas categorias: aquele que vive o glamour e ganha a vida profissionalmente, mas que não são profundamente dedicados à verdade de sua prática _e pra mim não dá para mentir para mim mesmo. Não queria virar um homem rico que desprezasse a si mesmo. E há outro tipo de fotógrafo, para quem a fotografia é uma maneira de viver, para qual ele está dedicado.

UOL: O que acha da fotografia de moda hoje?
Stupakoff: Tenho a impressão que, se eu recomeçasse a fotografar moda, se me fosse dada a oportunidade, começaria de onde parei, porque até hoje não vi ninguém fazendo o que eu imaginava.

Em primeiro lugar, existe uma quantidade de fotógrafos que não existia antigamente. Na década de 50, eram cinquenta, no máximo. E hoje são muitos, muitos, e eu vejo nomes que nunca vi antes e não me interessa fazer trabalho de pesquisa para saber quem é quem. Hoje não estou procurando acompanhar esse mercado, há muitas revistas, e os nomes que vejo mudam constantemente. Eu tenho a impressão de que não está sendo dada ao fotógrafo a oportunidade de desenvolver o seu olhar, a sua maneira de ver. No tempo que trabalhei, você facilmente poderia trabalhar uma década, ou mais, e ver o quanto seu trabalho se desenvolveu nesse aspecto, admiro imensamente o trabalho de Helmut Newton e a maneira como ele se renovava constantemente.

Um jornaleiro de Nova York, especializado em revistas antigas, já me contou do número de jovens fotógrafos que compravam as Vogues de 20, 30 anos atrás, por altos valores, para se inspirar naquela trilha que já estava aberta e pisada. Há exceções, mas não em número suficiente para serem lembradas.

Como tudo, as coisas não são levadas tão a sério quanto antigamente. Talvez seja nostalgia minha, mas gostaria de retornar à identidade própria e à seriedade do trabalho. Hoje há muitos aproveitadores e o espaço que é dado a eles escancara a incompetência daqueles que dirigem revistas do gênero.

Otto Stupakoff – o primeiro fotógrafo de moda do Brasil eh um post do Fos Grafe

O que me chamou atenção foi a simplicidade com que ele explica uma parte de uma teoria sígnica (não estou falando de astrologia!) que é ensinada, às vezes, de maneira tão complexa. Decidi compartilhar com vocês porque acho importante todo fotógrafo ter um pensamento crítico sobre a imagem. A fotografia também é um símbolo, uma coleção de signos, que é capaz de proporcionar infinitas interpretações dentro das tantas cabeças pensantes a observá-la. Leia, entenda o que eu quero dizer e aproveite para refletir…

O entendimento dos símbolos e dos rituais (simbólicos) exige do intérprete que possua cinco qualidades ou condições, sem as quais os símbolos serão para ele mortos, e ele um morto para eles.

A primeira é a simpatia; não direi a primeira em tempo, mas a primeira conforme vou citando, e cito por graus de simplicidade. Tem o intérprete que sentir simpatia pelo símbolo que se propõe interpretar.

A segunda é a intuição. A simpatia pode auxiliá-la, se ela já existe, porém não criá-la. Por intuição se entende aquela espécie de entendimento com que se sente o que está além do símbolo, sem que se veja.

A terceira é a inteligência. A inteligência analisa, decompõe, reconstrói noutro nível o símbolo; tem, porém, que fazê-lo depois que, no fundo, é tudo o mesmo. Não direi erudição, como poderia no exame dos símbolos, é o de relacionar no alto o que está de acordo com a relação que está embaixo. Não poderá fazer isto se a simpatia não tiver lembrado essa relação,  se a intuição a não tiver estabelecido. Então a inteligência, de discursiva que naturalmente é, se tornará analógica, e o símbolo poderá ser interpretado.

A quarta é a compreensão, entendendo por esta palavra o conhecimento de outras matérias, que permitam que o símbolo seja iluminado por várias luzes, relacionado com vários outros símbolos, pois que, no fundo, é tudo o mesmo. Não direi erudição, como poderia ter dito, pois a erudição é uma soma; nem direi cultura, pois a cultura é uma síntese; e a compreensão é uma vida. Assim certos símbolos não podem ser bem entendidos se não houver antes, ou no mesmo tempo, o entendimento de símbolos diferentes.

A quinta é a menos definível. Direi talvez, falando a uns, que é a graça, falando a outros, que é a mão do Superior Incógnito, falando a terceiros, que é o Conhecimento e a Conversação do Santo Anjo da Guarda, entendendo cada uma destas coisas, que são a mesma da maneira como as entendem aqueles que delas usam, falando ou escrevendo.

Fonte aqui!

Mensagem – por Fernando Pessoa eh um post do Fos Grafe

por carloos

Muitos leitores são novos por aqui, mas o Fós Grafê já tem uma boa história de vida (mais de dois anos!). Em 2009 ele cresceu bastante e passou por muitas mudanças, agora está mais maduro e pronto pra crescer ainda mais. Então, hoje fiz uma listinha com os 10 posts mais lidos de 2009. Quem já viu aproveite para relembrar, quem ainda não conhecia o Fós Grafê, aproveite para conhecer mais um pouquinho! Espero que gostem!

1. A mágica do espelho na fotografia

2. A fotografia que virou música

3. Homenagem à fotografia – 15 câmeras antigas

4. A realidade fotográfica

5. Panoramas imersivos

6. Revista Fotógraphos (download)

7. Segredos de iluminação

8. 21 sinais que provam que você é um verdadeiro fotógrafo

9. O pequeno (e não muito sério) dicionário de termos fotográficos

10. Essenciais: frases fotográficas

Os mais lidos de 2009 eh um post do Fos Grafe

Luz frontal
Aqui a fonte de luz fica atrás da objetiva, gerando sombras reduzidas. Isso gera uma imagem “chapada” (a sensação de tridimensionalidade fica em segundo plano), mas registra muito bem as cores presentes na cena.

Contraluz
A luz fica atrás do assunto. A exposição pode ser regulada a fim de realçar detalhes, ou para transformar algo em silhueta, deixando o fundo em destaque. É uma ótima técnica para fotografar objetos transparentes (vidro, acrílico, plástico etc.), porque ressalta as extremidades e realça as formas.

por slimmer_jimmer

Luz direcionada
Você também pode escolher um lugar específico: lateral, esquerda, direita, cima, baixo). Tudo depende do efeito que você desejar. Uma iluminação direcionada, através das sombras, dá mais volume e realça a textura do assunto.

Luz dura
Nada mais que uma luz direta. Ela cria sombras bem definidas e é comumente usada para criar imagens dramáticas ou que pretendem destacar texturas.

por Stéfan

Luz difusa
É uma luz mais suave, filtrada. É bem distribuída pela cena, iluminando com uma só intensidade. Não produz grandes contrastes e nem sombras definidas. Fica tudo bem harmonioso. Dias nublados tendem a ter uma iluminação bem distribuída, são ótimos para fazer fotos externas.

Light Painting
É literalmente “pintar com luz”. Você pode usar lanternas e outros objetos luminosos para iluminar apenas as partes que interessar, pelo tempo que desejar. As possibilidades são muitas, afinal a luz não é fixa. O resultado é de uma iluminação aveludada, com uma atmosfera de sonho (se você estiver utilizando a Light Painting profissional). E também serve para brincar de escrever, desenhar ou o que mais você quiser.

por Paula Korosue

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por JotaPê Correia

Também existem filtros de gelatina que podem ser colocados nas fontes de luz a fim de aumentar uma coloração específica, as luzes podem ser misturadas e muitas angulações podem ser escolhidas. O resultado final, bom ou ruim, só depende do olhar individual de cada fotógrafo. O importante mesmo é experimentar – sempre!

por slimmer_jimmer

Tipos de iluminação eh um post do Fos Grafe

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A fotografia como reprodução, representação e invenção da realidade

Em uma das principais cenas da ficção científica Blade Runner (Ridley Scott, 1982), a personagem Rachael mostra ao caçador de androides Deckard uma foto de sua infância. A imagem provaria a existência desse período de sua vida - não fosse um pequeno detalhe: Rachael nunca fora uma criança. Ela era um androide de última geração e toda sua memória havia sido artificialmente fabricada. A fotografia nada mais era do que uma ferramenta forjada para legitimar uma realidade que nunca existiu.

Ao longo de sua história e seguindo inúmeras vertentes, a fotografia serviu para validar - e também questionar - diversas realidades, sejam elas inventadas ou não. Exemplos não faltam. Para mostrar que, em alguns momentos do galope, o cavalo retira as quatro patas do chão, o fotógrafo inglês Eadweard Muybridge registrou, em 1878, o instante exato em que o animal ficava suspenso no ar. Foi também no século XIX, algumas décadas antes do experimento de Muybridge, que o francês Hippolyte Bayard, numa espécie de fotomanifesto, publicou um autorretrato no qual simulava a própria morte - a nota que acompanhava a foto, inclusive, tinha o teor de um bilhete suicida.

Reproduzir e representar
Se Bayard inventou uma realidade, Muybridge, por sua vez, a reproduziu como ela é, certo? A resposta não é tão simples quanto parece. O crítico de arte britânico John Berger costuma dizer que a fotografia e a realidade são coisas diferentes. “Entre o momento recolhido na película e o momento presente do olhar que se leva à fotografia, sempre existe um abismo”, afirma. Esse abismo seria provocado pela distância de espaço e de tempo entre a imagem que se vê impressa e o objeto fotografado. Já segundo a filósofa norte-americana Susan Sontag, em seu ensaio Na Caverna de Platão, “embora em certo sentido a câmera de fato capture a realidade, as fotos são uma interpretação do mundo tanto quanto as pinturas e os desenhos”. Por mais fiel que pareça ser ao real, a imagem inevitavelmente sofre a interferência do fotógrafo.

É o que ocorre, por exemplo, no fotojornalismo. “Trabalha-se para fazer uma reprodução de um fato. Porém, como autor, você coloca a sua experiência e o seu olhar, transformando a fotografia em uma representação sua desse fato”, explica o fotojornalista Henrique Manreza, que comanda a Agência 28mm. Seguindo uma linha de raciocínio semelhante, Georgia Quintas - antropóloga e coordenadora dos bacharelados de fotografia e artes plásticas das Faculdades Integradas Barros Melo - de Olinda - afirma que a relação da fotografia clássica documental ou do fotojornalismo com o tema fotografado resulta tanto em representação quanto em reprodução. “Ela parte de um recorte temporal e espacial e segue a seleção do olhar de quem ‘escolhe’ a cena a ser apreendida. Portanto, ao reproduzir se representa e/ou vice-versa”, explica. “Esses dois aspectos [reprodução e representação] são fortes e presentes em nosso dia a dia”, complementa Manreza. “E, como fotojornalistas, não temos direito nem devemos alterar a realidade, criando algo que não existe.”

A invenção da fotografia
Se, para o fotojornalismo, inventar a realidade seria algo inaceitável, para algumas vertentes da fotografia, como a de arte e parte da documental contemporânea, isso não é problema. “As linhas que definem reprodução, representação e invenção da realidade são bastante tênues”, conta Leo Caobelli, fotógrafo do coletivo Garapa. “A imagem é uma incrível ferramenta de narrativa e muitas vezes, senão todas, nós [do coletivo] participamos dessas histórias”, afirma. “Isso nos transforma em ´inventores de realidade´, pois intervimos e reagimos, além de registrar”. Caobelli reconhece também que a fotografia documental atingiu hoje um estágio “interessante”: “É no encontro entre o documental e o experimental que gostaríamos de estar, mas para isso sabemos que a estrada é longa”.

Um exemplo claro para ilustrar a invenção na fotografia são as fotos de publicidade, que têm o intuito de seduzir o público por meio de realidades extremamente longínquas e, por isso mesmo, inalcançáveis - caso das fotos dos editoriais de moda e de beleza. “É possível utilizar fotografias feitas com o enfoque de reprodução ou representação da realidade em um anúncio; porém a grande maioria é uma invenção”, explica Manreza, que também trabalha com publicidade. “Elas tentam simular o real em um ambiente totalmente controlado pelo fotógrafo, você cria a situação que quiser.”

Retratando a quase verdade
Criar, alterar, simular… Como já foi visto com o falso retrato suicida de Bayard, não é de hoje que a fotografia inventa mundos além do real. “O dadaísmo e o surrealismo romperam, refutaram a realidade de maneira revolucionária. As vanguardas alemãs também deram sua parcela nesse percurso”, explica Georgia. Outro exemplo dado por ela são os retratos - que, ao mesmo tempo que registram a pessoa fotografada, têm a intenção de descrever identidades e discutir papéis sociais. “Nos retratos”, conclui ela, “temos reprodução, representação e invenção da realidade”.

Provavelmente, questionar o que é real seja uma das primeiras coisas que o espectador faz ao se deparar com os autorretratos da fotógrafa e designer Helga Stein. “Se você os chama de autorretratos tem de assumir que já sabe o que é realidade neles”, diz. As imagens de Helga, uma crítica ao consumismo e aos padrões estéticos inatingíveis, têm, de fato, o objetivo de provocar a noção de veracidade. Mas pôr em xeque a realidade, para a fotógrafa, não significa se desprender dela. “Não acredito no conceito de invenção da realidade”, comenta. “Pois a fotografia trabalha com um referente no momento do disparo do obturador. Mesmo que sofra um processo de manipulação bem incisivo, acredito que ainda reste uma relação com esse referente.”

Seja como for, reprodução, representação ou invenção - apenas para citar alguns aspectos dentre os diversos existentes -, a fotografia deu um novo sentido à realidade e ao seu “referente”. Nas palavras de Georgia: “A fotografia foi revista como campo de consciência, de arbitrariedade, de dominação poética dos mecanismos técnicos para a imaginação florescer sem estatutos delimitadores da realidade”. A realidade que, talvez, só se viva na fotografia.

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A arte de fotografar
Dois nomes referenciais da nova geração da arte contemporânea brasileira, Ding Musa e Sofia Borges respondem à questão e discutem o limite entre o real e o fictício.

Para Musa
Minha obra é uma invenção que fala sobre a representação das coisas. Na série My View (2007), por exemplo, eu trabalho com imagens dípticas para desconstruir essa ideia de representação, assim como a ideia de ponto de vista. São imagens que têm uma paisagem ao fundo (janelas, portas, fendas na arquitetura), as quais parecem ser as mesmas, mas não são exatamente. Em outras séries, essa questão aparece de forma diferente. Pode ser um simples deslocamento lateral, como em Displacement 1 e 2 (2007), em que cinco fotos - com os mesmos elementos no plano de fundo e que têm o primeiro plano trocado - são justapostas em uma mesma imagem.

Para Sofia
Minhas fotografias sempre surgem da observação dos lugares, das pessoas e dos objetos que, de uma maneira ou de outra, estão ao meu redor. O real é para mim uma espécie de matéria-prima, e, num primeiro momento, o que faço ao fotografar é justamente recolhê-la para depois observá-la, decantá-la e, por último, construí-la. Não sei bem responder o que há de fantasioso nas minhas imagens, pois elas representam o meu interesse pelas coisas em si. Contudo, nesse processo de decantá-las e construí-las, talvez a realidade das coisas se enfraqueça e os objetos representados se apresentem mais esvaziados. Não sei se isso acontece de fato, mas é o que eu gostaria que acontecesse… que os significados daquilo que fotógrafo se perdessem ou se embaralhassem uns nos outros. Pois é aí que está meu interesse na realidade, no fato de ela ser vazia e, a priori, sem sentido nenhum.

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